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Historia del Arte: Universal, contemporánea, romano y mucho más

Ven a conocer todo lo referente a la Historia del Arte universal y contemporáneo, es la ciencia que estudia todas las disciplinas de expresión artística que demostraron grandes ponentes y que hasta la fecha siguen siendo iconos de los diferentes estilos en la pintura, música, arquitectura, danzas, escultura y en otras expresiones mas.

Historia del Arte¿Qué es la Historia del Arte?

Antes de comenzar a describir que es la Historia del Arte, sus inicios, etapas, características y sus principales corrientes debemos hablar un poco de lo que significa Arte en toda la extensión de la palabra así como el inicio del mismo. (Ver articulo: Historia del Teatro en Honduras)

La palabra arte viene del latín ars, y artis, igualmente la palabra en griego techne, el cual su significado es técnica, palabra usada en la época para describir todas las habilidades y actividades técnicas desde los artesanos hasta los pintores, músicos y poetas de la época.

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El Arte se denomina como el conjunto de disciplinas o producción de los seres humanos, las cuales son realizadas con propósitos estéticos y expresiones  para representar las diferentes realidades del mundo que nos rodea a través de la pintura, escultura, arquitectura música y literatura, para así de esta manera sobresaltar sentimientos, emociones e ideas en las personas.

En el Arte se pueden utilizar diferentes técnicas para la creación todo va a depender de que corriente o estilo se utilice y dependiendo del tipo de arte que se maneje por ejemplo en la pintura juegan muchos los colores y las formas, en la escultura igualmente las formas y dimensiones, para la arquitectura los diseños, espacios y las formas, para la música encontramos los diferentes sonidos, para la literatura juega un papel importante las palabras y para las danzas los movimientos corporales. (Ver articulo: Historia del Teatro)

Cada una de las disciplinas o corrientes artísticas poseen técnicas y conductas muy específicas donde se pueden diferenciar cada una de ellas, además pueden adaptarse o no a la belleza, la armonía o el equilibrio, con respecto a la filosofía y sociedad.

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Los comienzos de la palabra y de su uso como disciplinal principio era solo para las practicas rituales y estaba muy asociada a la hechicería, la brujería y a la religión en primer plano, cosa que más tarde se fue transformando en lo que hoy conocemos como arte que abarca ya no lo místico sino las diferentes disciplinas que se han formado a lo largo de los años. (Ver articulo: Historia del Teatro en Chile)

Con los años pasaron grandes momentos que transformaron al arte, se le dio la importancia que realmente necesitaba y donde se conocieron a grandes artistas en las diferentes disciplinas que se destacaron, entre pintores, escultores, arquitectos, literarios, músicos y bailarines, integrando no solo al artista sino incluyendo a la sociedad, y al entorno que los rodea.

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Igualmente la palabra arte tiene su significados en aquellas actividades que se requieren de esfuerzo, habilidad y capacidad para realizarlas, como por ejemplo se dice de la persona que posee arte para hacer tal o cual cosa ya que lo realiza con espero y pulcritud, todo esto sin pretender ser un artista en toda la palabra.

Ahora bien después de saber que es el Arte y todo lo implica la misma palabra, podemos entrar en el mundo de la Historia del Arte como corrientes artísticas que se desarrollaron en las diferentes épocas desde que el mundo es mundo y la existencia del ser humano sobre ella. (Ver articulo: Historia del Teatro Latinoamericano).

Hablar de la Historia del Arte es hablar de teoría e historia del arte en el mundo, es discernir acerca de las diferentes manifestaciones y disciplinas que han existido durante miles de años en todo el mundo con respecto a su estudio, desarrollo y su evolución durante periodos de manifestaciones artísticas.

La historia del Arte representa una disciplina de las ciencias sociales que se encarga de estudiar la evolución del arte a través del tiempo. Centra sus estudios en el análisis de las expresiones y costumbres  artísticas del hombre a lo largo de los diferentes períodos de la humanidad y de la visión particular del mundo que lo rodea por medio de distintas técnicas y manifestaciones artísticas.

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La historia del Arte como ciencia permite que los estudios sobre diferentes culturas clasifiquen y establezcan el conocimiento enciclopédico sobre cómo se manifiestan en cada uno de los períodos históricos, determinando las características que los hacen distintivos.

Esta ciencia también es el resultado de una estrecha relación y colaboración entre diferentes ciencias multidisciplinarias. El soporte que la Historia del Arte recibe de diversas disciplinas y un número cada vez mayor de modernas técnicas sofisticadas dan como resultado un estudio más completo y preciso de las manifestaciones artísticas a las que se dedica, entre las que se encuentran: escultura, arquitectura, pintura, cerámica, música, textiles, metalistería, fabricación de vidrio y otros aunque los rangos a los que se llega actualmente van más allá de las llamadas bellas artes.

Cada una de las ciencias colaboradoras aporta su particular contribución a la visión de los eventos que configuraron el legado artístico del hombre a través del tiempo, entre ellos están: Arqueología, Antropología, Química, Geología, Historia, Biología y Arquitectura y muchas otras, las Ciencias de la Historia del Arte más confiable.

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La adquisición de información continuamente actualizada sobre el legado artístico de la humanidad a través de los tiempos nos ayuda hoy para entender mejor la belleza y el valor de las obras artísticas de nuestros antepasados ​​y también para analizar el nivel de complejidad con la que se hicieron y su relación con su histórica, religiosa, filosófica, y contexto social. (Ver articulo: Historia del Teatro Griego)

El estudio de los niveles de habilidades de artistas o artesanos en cada cultura; también contribuyen a comprender las influencias que recibieron de otras culturas anteriores o contemporáneas y cómo estas habilidades influyeron a su vez en las de sus propios descendientes. Es innegable que estas influencias transmitidas a lo largo de los siglos han determinado la forma en que las cosas se diseñan hoy en día, no solo artísticamente, sino también aquellas que están hechas con funciones prácticas.

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El artefacto fuera de un contexto adecuado que abarca otros factores muy importantes para los seres humanos, limita la apreciación del valor real, pueden parecer incluso bellos o bien acabados, pero sin la historia que los rodea no se puede evaluar realmente su valor con integridad. El arte tuvo un carácter esencialmente elitista durante la mayor parte de la historia de la humanidad y fue accesible solo para las clases adineradas durante mucho tiempo; Es muy reciente que estas obras de arte están adquiriendo la importancia que realmente tienen a los ojos de las masas en general. (Ver articulo: Historia de la Tabla Periódica)

El arte disfruta hoy con una extensa red de estudio, difusión y preservación de todo el legado artístico producido por la humanidad a lo largo de su historia. Todavía hay mucho por hacer para aumentar la concisión para la preservación de sitios históricos y artefactos y protegerlos del vandalismo y el saqueo.

A partir del siglo XX proliferaron numerosas instituciones, fundaciones, museos y galerías, públicos y privados, dedicados al análisis y catalogación de las obras de arte, así como a su exposición de manera adecuada al público en general con diferentes temas que no están limitados solo por las llamadas bellas artes.

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Debe notarse que el aumento de los medios y el rango de diferentes riquezas de estratos sociales de la población por ellos ha sido muy importante para propagar los mensajes sobre la necesidad de estudiar y preservar el arte y los artefactos en nuestros días. Este trabajo esencial había contribuido a la proliferación de nuevos artistas y formas estéticas que nos muestran, sin embargo, su relación con el patrimonio cultural del pasado. Las nuevas posibilidades técnicas y artísticas de expresión que realmente están desarrollando se estudiarán también para las generaciones futuras. (Ver articulo: Historia de la Química)

De una manera u otra, el arte se ha vuelto más accesible para las masas y la influencia de estas obras artísticas del pasado se puede ver en innumerables formas de expresión o tendencias de diseño del artista actual. Los amantes del arte y la historia en general aumentan hoy en día la cantidad de páginas de Internet dedicadas a transmitir el mensaje de arte a través de un gran número de ellos, cuyos temas son tan diversos como el arte mismo.

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Para saber cómo y dónde la humanidad debe guiar su futuro, debemos aprender sobre la Historia del Arte y nuestros tesoros del pasado, tomar de este sabio flujo de información la inspiración necesaria para aumentar el enriquecimiento espiritual de las generaciones presentes y futuras.

Historia del Arte y la Cultura

Italia ha sido, desde la antigüedad, el centro de la historia, la cultura y el arte. Los museos, colecciones y sitios arqueológicos revelan innumerables muestras del pasado y de las muchas civilizaciones que han pasado por este país, evidencia de que todavía está inexplicablemente entretejida en el paisaje actual. (Ver articulo: La Historia del Internet)

La Historia del Arte Universal

La disciplina de la historia del arte se desarrolló en Europa durante el período colonial aproximadamente del siglo XV hasta mediados del siglo XX. Los primeros historiadores del arte enfatizaron la tradición europea, celebrando sus orígenes griegos y romanos y los ideales del arte académico.

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A mediados del siglo XX, se estableció una narrativa estándar para el arte occidental que rastreó su desarrollo desde el Mediterráneo prehistórico, antiguo y medieval hasta la Europa moderna y los Estados Unidos.

El arte del resto del mundo, etiquetado como arte no occidental, generalmente se trataba solo de manera marginal y desde una perspectiva colonialista. (Ver articulo: Historia de la Informática)

Linea del Tiempo de la Historia del Arte

  • Año 500 – Arte Antiguo (Egipto, Grecia y Roma)
  • Años 500 – 1550 – Arte Medieval (cristiano temprano, celta, bizantino, copto, ortodoxo, islámico, románico y gótico)
  • Años 1400 – 1600 Arte Renacentista – Principios del renacimiento, Principio del arte neerlandés, renacimiento del norte, manierismo, post-renacimiento.
  • Año 1600- 1725 – Movimiento de Arte Barroco.
  • Año 1720 – 1760 – Movimiento de arte rococó
  • Año 1760 – 1830 – Movimiento de arte neoclásico
  • Año 1800 – 1850 – Movimiento de arte del romanticismo
  • Durante los años de 1800 – Movimiento de Arte Académico
  • Año 1840 – 1870 – Movimiento de Arte Realismo
  • Año 1848 – 1854 – Movimiento de Arte Prerrafaelita
  • Año 1870 – 1900 – Movimiento de arte del impresionismo
  • Año 1880 – 1920 – Movimiento de Arte Post-Impresionismo
  • Año 1880 – 1910 – Movimiento del arte del simbolismo
  • Año 1905 – 1908 – Movimiento de arte fauvismo
  • Año 1905 – 1925 – Expresionismo Arte Movimiento
  • Año 1908 – 1920 – Movimiento de arte cubismo
  • Año 1909 – 1918 – Movimiento de arte futurismo
  • Desde el año 1910 – Movimiento de arte abstracto
  • Año 1916 – 1923 – Movimiento de arte Dada
  • Año 1915 – 1945 – Movimiento de arte precisionismo
  • Desde 1920 – Movimiento de arte surrealista
  • Año 1920 – 1935 – Movimiento de arte Deco
  • Año 1956 – 1960 – Movimiento arte Pop
  • Desde 1960 – Movimiento de arte fotorealismo
  • Desde 1960 – Movimiento arte conceptual y arte instalación.

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Cronología de la Historia del Arte

En la Prehistoria:

  • Arte paleolítico (40.000 – 10.000 a.C.)
  • Arte mesolítico (10.000 – 4000 a.C.)
  • Arte neolítico (4000 – 2000 a.C.)

En la Edad Antigua:

  • Arte egipcio (5300 – 30 a.C.)
  • Arte mesopotámico (4000 – 539 a.C.)
  • Arte minoico (3000 – 1400 a.C.)
  • Arte micénico (1500 – 1100 a.C.)
  • Arte griego (1000 – 320 a.C.)
  • Arte etrusco (800 – 100 a.C.)
  • Arte romano (400 a.C – 476 d.C.)

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En la Edad Media:

  • Arte paleocristiano (siglo. I – IV)
  • Arte visigodo (415 – 711)
  • Arte bizantino (330 – 1.453)
  • Arte mozárabe (711 – 1.000)
  • Arte carolingio (780 – 900)
  • Arte otoniano (950 – 1050)
  • Arte románico (siglo  XI – XIII)
  • Arte gótico (siglo  XII – XVI)
  • Arte mudejar (siglo XII – XVI)

En la Edad Moderna:

  • Renacimiento (siglo XV – XVI)
  • Manierismo (1530 – 1.600)
  • Barroco (1600 – 1750)
  • Rococó (1720 – 1740)

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En la Edad Contemporánea:

  • Neoclasicismo (1730 – 1820)
  • Romanticismo (desde finales del siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX)
  • Realismo (siglo XIX)
  • Impresionismo (mediados siglo XIX)
  • Simbolismo (finales del siglo XIX)
  • Neoimpresionismo (finales del siglo XIX)
  • Postimpresionismo (finales del siglo XIX y principios del siglo XX)
  • Art Nouveau / Modernismo (finales del siglo XIX y principios del XX)
  • Art Decó (1920 – 1950)
  • Arte Naíf (desde finales del siglo XIX)
  • Fovismo (1905 – 1908)
  • Cubismo (1907 – 1914)
  • Futurismo (1909 – 1930)
  • Expresionismo (1910 – 1945)
  • Pintura metafísica (1911- 1920)
  • Rayonismo / Cubismo abstracto (a partir de 1911)
  • Orfismo (1912-1913)
  • Constructivismo (1914 – 1930)
  • Suprematismo (1915 – 1925)
  • Dadaísmo (1916 – 1924)
  • Neoplasticismo (1917 – 1944)
  • Nueva objetividad (1920 – 1933)
  • Surrealismo (1924 – 1966)
  • Racionalismo (1925 – 1940)
  • Tachismo (1940 – 1960)
  • Expresionismo abstracto (h. 1944 – 1964)
  • Arte marginal / Art brut (a partir de 1945)
  • Informalismo (1946 – 1960)
  • Espacialismo (a partir de 1947 – 1968)
  • Op art (a partir de 1964)
  • Nuevo realismo (1960 – 1970)
  • Pop art (a partir de 1950)
  • Happening (a partir de 1957)
  • Minimalismo (a partir de 1960)
  • Hiperrealismo (a partir de 1960)
  • Arte conceptual (a partir de 1961)
  • Land art (a partir de 1960)
  • Nueva abstracción / Abstracción pospictórica (a partir de 1964)
  • Arte povera (a partir de 1967)

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Etapas de la Historia del Arte

De acuerdo con la época y el momento histórico en el que han tenido plenitud de desarrollo la Historia del Arte se puede dividir en diferentes etapas, las cuales son:

  • Arte Clásico
    • Grecia
    • Roma
  • Arte Medieval
    • Islámico
    • Románico
    • Gótico
  • Arte Moderno
    • Renacimiento
    • Barroco
  • Arte Contemporáneo
    • Neoclasicismo
    • Romanticismo
    • Realismo
    • Impresionismo
    • Abstracto

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La Historia del Arte Contemporáneo

Como una categoría artística o histórica, una que podría designar un estilo de arte, una tendencia entre otros, o un período en la historia del arte, el “arte contemporáneo” es relativamente reciente. En el discurso del mundo del arte en todo el mundo, aparece en explosiones de uso especial en los años 1920 y 1930, y nuevamente durante la década de 1960, pero sigue siendo subsidiaria a términos como “arte moderno”, “modernismo” y, después de 1970, “Pos-modernismo”. (Ver articulo: Historia de la Electricidad)

El “arte contemporáneo” logra un sentido fuerte y una capitalización habitual, solo en los años ochenta. Posteriormente, el uso creció rápidamente, para convertirse en omnipresente en 2000.

El arte contemporáneo es ahora el nombre indiscutible del arte actual en contextos profesionales y goza de amplia resonancia en los medios públicos y el habla popular. Sin embargo, su valentía para cualquiera de los propósitos artísticos críticos e históricos habituales sigue siendo controvertida e incierta.

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Completar este significante vacío estableciendo el contenido de esta categoría es la preocupación de un número creciente de publicaciones de principios del siglo XXI.

Aunque se mostrara que el uso del término arte contemporáneo como referente tiene un récord de doscientos años, como un campo de historia del arte, el arte contemporáneo es tan reciente, y en tal formación volátil, que las encuestas generales del tipo ahora común para períodos anteriores en la historia del arte están empezando a aparecer. Hasta la fecha, solo se ha intentado un ensayo de arte-historiografía. (Ver articulo: Historia del Teatro Mexicano).

La Historia del Arte Romano

Roma se convirtió en el centro del gran imperio que ligaba diferentes culturas bajo su poder militar y su influencia cultural, por lo que también aplicó la técnica de socorro en sus territorios conquistados de la misma manera que los artesanos anónimos lo hicieron en Roma para decorar monumentos arquitectónicos, columnas conmemorativas y funerarios. paredes de panteones, así como sarcófagos y los famosos Arcos del triunfo. Son como los relatos históricos romanos hechos en piedra, que contienen información significativa sobre muchos aspectos relacionados con la vida social, religiosa, política, militar, cultural y económica de esta ciudad y las regiones que conquistaron.

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Se puede decir que las “Esculturas de socorro” son una creación resultante de la combinación de artes pictográficas bidimensionales y artes escultóricas tridimensionales. En consecuencia, un relieve, dependiente de una superficie de fondo y se extiende con la combinación de protuberancias y tallado profundo para ser visible.

Aunque principalmente los relieves crónicos de los romanos se llevaron a cabo para decorar las paredes de los monumentos y sarcófagos, capturaron meticulosamente también importantes tratos históricos y conmemorativos en la vida cotidiana.

A través de historias narradas con vívido realismo y detalle, figuras importantes del gobierno y sus familias son retratadas en escenas que son dolorosas de representación visual en piedra o mármol de ellos, así como de otros ciudadanos comunes que se llevan a cabo en un momento determinado de la acción o evento que fue perpetuado.

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Algunas de las ventajas de la técnica de decoración en relieve sobre las esculturas son:

  • Una escultura en relieve puede representar una gama mucho más amplia de temas que una estatua debido a su economía de recursos que permite una mejor comprensión de los mensajes.
  • Debido a que está adherido a su superficie de fondo, los problemas de peso y equilibrio físico no son una preocupación, a diferencia de las estatuas y otras esculturas independientes donde el peso y el equilibrio pueden ser críticos.
  • También porque los relieves están tallados directamente en paredes, portales, techos, columnas, pisos y otras superficies planas, son ideales para decoraciones de proyectos arquitectónicos.

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La escultura romana durante el primer siglo de nuestra era se aleja del idealismo y produce una serie de importantes obras plásticas a gran escala, como los arcos de Tito y Trajano, columnas de Trajano y Marco Aurelio; cuyo relieve es muy conocido por ser verdaderas obras maestras realistas.

La admiración de las clases altas romanas hacia el arte helenístico y el hecho de que muchos escultores griegos trabajaban en Roma respaldaron la influencia del plástico griego en la península italiana. Este fue considerado un modelo de belleza y proliferaron copias de piezas helenísticas gracias a lo que fue posible ver el trabajo de artistas clásicos en Roma y también se aprecia para la posteridad. (Ver articulo: Historia de la Física)

Esos relieves muestran interés en representar eventos importantes, epopeyas heroicas, puestas en escena con figuras mitológicas y dioses, y estaban perfectamente relacionados con el orgullo de los romanos como nación, su poder y la necesidad de utilizar cualquier medio posible para realizar realmente el trabajo de propaganda que apoyó las acciones de conquista, dominación y sometimiento de numerosas naciones y culturas.

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Por lo tanto, cada detalle de las escenas ha sido planeado con una disertación preliminar exhaustiva; nada se deja al azar; resultando en un trabajo muy natural y realista, sin embargo, nada ha sido improvisado. Cada gesto, carácter y tamaño de la escena en relación con el conjunto responde a un proyecto cuidadosamente calculado, así aparece en la historia del arte en la arquitectura.

Para los romanos, era importante representar el realismo en sus obras de arte porque para ellos las misiones de los escultoristas no solo representan belleza y características agradables, sino que también representan la naturaleza y la realidad tan bien como la técnica de tallas en piedra lo hizo posible. Contra la preferencia de la abstracción clásica griega por los personajes perfectos, el favorito de los romanos representa a la gente de la vida real, retratándolos con sus características personales, incluso si no eran precisamente apuestos. (Ver articulo: El Correo).

Historia del Arte Pop

El Arte Pop nació en Gran Bretaña a mediados de la década de 1950. Era el cerebro de varios jóvenes artistas subversivos, como tiende a serlo la mayoría del arte moderno. La primera aplicación del término Pop Art se produjo durante las discusiones entre artistas que se autodenominaban Grupo Independiente, que formaba parte del Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, que comenzó alrededor de 1952-53.

El Arte Pop aprecia la cultura popular, o lo que también llamamos cultura material. No critica las consecuencias del materialismo y el consumismo; simplemente reconoce su presencia omnipresente como un hecho natural.

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Adquirir bienes de consumo, responder a publicidades ingeniosas y crear formas más efectivas de comunicación masiva en aquel entonces: películas, televisión, periódicos y revistas galvanizó la energía entre los jóvenes nacidos durante la generación posterior a la Segunda Guerra Mundial. Rebelados contra el vocabulario esotérico del arte abstracto, quisieron expresar su optimismo después de tantas dificultades y privaciones en un lenguaje visual juvenil. Pop Art celebró la United Generation of Shopping.

El movimiento fue bautizado oficialmente por Lawrence Alloway en su artículo “The Arts and Mass Media”, Architectural Record (febrero de 1958). Los libros de texto de historia del arte tienden a afirmar que ¿Qué es lo que hace que el hogar de hoy sea tan diferente y tan atractivo? (1956) es señalado que el Arte Pop había llegado a la escena. El collage apareció en This Is Tomorrow en Whitechapel Art Gallery en 1956, por lo que podríamos decir que esta obra de arte y esta exposición marcan el inicio oficial del movimiento, a pesar de que los artistas trabajaron en temas de Pop Art anteriormente en sus carreras.

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El arte pop, en su mayor parte, completó el movimiento modernista a principios de la década de 1970, con su inversión optimista en el tema contemporáneo. También puso fin al movimiento modernista al mostrar un espejo a la sociedad contemporánea. Una vez que la generación postmodernista se veía dura y se veía en el espejo, la duda de sí mismo tomó el control y la atmósfera de fiesta del Pop Art se desvaneció.

La Historia del arte Rupestre

El Arte rupestre es el dibujo antiguo o prehistórico, pintura o trabajo similar sobre o de piedra. El arte rupestre incluye pictografías (dibujos o pinturas), petroglifos (tallas o inscripciones), grabados (motivos incisos), petroformas (rocas dispuestas en patrones) y jeroglíficos (dibujos en el suelo). (Ver articulo: Historia de la Radio)

Los animales antiguos, las herramientas y las actividades humanas representadas a menudo ayudan a arrojar luz sobre la vida cotidiana en el pasado distante, aunque las imágenes son con frecuencia simbólicas. A veces, un solo sitio puede tener arte que data de varios siglos.

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El arte rupestre puede haber desempeñado un papel en la religión prehistórica, posiblemente en relación con los mitos antiguos o las actividades de los chamanes. Sitios importantes ocurren en el sur de África, Europa, América del Norte y Australia

La Historia del Arte Barroco

El arte barroco es un período de estilo artístico que utilizaba una emoción exagerada y una clara representación de detalles en un escenario teatral para ser fácilmente interpretado usando la exuberancia de los elementos en una representación dinámica que produce drama y alta tensión a través de la obra artística, generalmente en monumental tamaño.

Estas características se aplicaron principalmente a: escultura, pintura, arquitectura, cerámica, joyería, textiles para muebles y también a otras manifestaciones culturales como literatura, danza, teatro y música que fueron la fuente de inspiración de las expresiones plásticas. (Ver articulo: Historia de Coca Cola)

La palabra Barroco tiene resonancia y aplicación que se extiende más allá de una simple nomenclatura lineal y estrecha para un estilo o período. El término “Barroco” todavía puede ser utilizado en nuestros días por el historiador de arte y el público en general, en referencia a obras de arte o diseño que tiene una ornamentación excesiva o complejidad de líneas, figuras y diversidad de elementos artísticos.

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La Iglesia y la aristocracia durante el periodo de 1500 hasta 1600 siguieron la evolución de las etapas del manierismo en el último período del Renacimiento y acogieron con beneplácito el arte barroco en el nuevo siglo a partir del año de 1600.

En la ciudad de Roma, Italia, como lo menciona la historia del arte en Italia, donde comenzó este arte barroco, se dan cuenta muy pronto de cuán efectivo es el nuevo estilo para comunicar sus mensajes como una clase en poder para los espectadores. (Ver articulo: Historia del Teatro en Venezuela)

En la contienda histórica una ruptura debida a diferentes puntos de vista sobre la fe entre católicos y protestantes y también un predominio de las Monarquías Absolutas, fue marcando la revolución social, necesaria para hacer el mejor uso posible de este nuevo estilo como propaganda, puesta en marcha obras que abrazan a los espectadores como personajes en la obra artística que los rodea, a través de diferentes elementos plásticos, absorbiendo su atención a través de una gran cantidad de dramas, haciéndolos sentir totalmente identificados con la cercanía de los mensajes.

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El tema principal en el estilo barroco fue el triunfo de la fe y alrededor de ella, toda la expresión artística de un aparente; la cascada caótica de diversos elementos encaja, elevando este concepto religioso a su más alta expresión, influyendo así como otros aspectos no religiosos en la vida cotidiana de una sociedad convulsionada con tantos contrastes, en la cual la minoría de personas es increíblemente rica; mientras que la mayoría de la gente se estaba ahogando en la pobreza extrema. No es extraño, por ejemplo, que estuvieran obligados a evadir su triste realidad, contemplando escenas imaginarias y agradables, dramáticas, dirigidas a premiar el honor y la gloria y el triunfo de la luz sobre la oscuridad.

Esta nueva tendencia artística repleta, grandiosa y súper emocional se extendió a la mayor parte de Europa y luego a América también. Aunque es justo decir que en la arquitectura al principio, a veces se evitaba una cierta tendencia al clasicismo, la mayoría en la fachada del edificio, ya que las nuevas líneas convulsionadas y curvas, además de la decoración y la sensación de inquietud en algunas personas quien encargó los nuevos palacios y no fue bienvenido completamente por un tiempo en algunas regiones y tribunales.

La influencia barroca de los siglos XVII y XVIII fue aún fuerte en el siglo XIX, cuando la construcción de la arquitectura barroca en América aún se realizaba en este estilo, aunque muchos de ellos también incorporan cierto eclecticismo, debido a la influencia de otros estilos artísticos y el gusto de los nativos.

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En el arte barroco prevalece la tendencia a composiciones inestables, los artistas intentan alejarse de la simetría, alterando la relación clásica entre el hacha y las figuras en la pintura. Las composiciones dinámicas con muchos dramas escénicos, expresiones de rostros emocionales, exacerban los gestos físicos, (como en un escenario teatral).

El uso de la luz también fue muy importante, el elemento protagonista principal algunas veces en una pintura. Por ejemplo, el elevado contraste entre la luz y la ausencia de este, y el ritmo obtenido según la composición, facilitan la acentuación de la importancia de los personajes principales.

Para el Tenebrismo; (estilo pictórico de pintura que utiliza claroscuro muy pronunciado, que contrastes profundos y violentos de la luz y la oscuridad), y “Naturalismos”, se añadió otro estilo pictórico durante el período barroco, la talla de madera imágenes españolas, así como, diversas otras temáticas como retratos, bodegas, conocidos en español como “Bodegones”, que fueron hechos con detalles tan exquisitos y fidelidad a los originales, que se siente como si estos objetos retratados estuvieran realmente allí y es posible tocarlos, olerlos y enriquecerlos como se puede hacer a cosas reales. (Ver articulo: Correo Certificado)

El arte barroco es también un estilo colorista en el que un estallido de colores vibrantes inunda el trabajo artístico, atrayendo la atención al mismo tiempo que marca la cadencia y el ritmo que los ojos de los espectadores deberían seguir. El color se usó también para resaltar los personajes principales en las escenas. A través de ellos fue posible enmarcar las composiciones de manera más efectiva, durante el período barroco más pronunciado con pinceladas abiertas y estructuras centrífugas.

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Ese sentimiento de percepción realista, al contrario de lo que dice la historia del arte surrealismo, se aplica también a las esculturas; alrededor de los que el entorno arquitectónico fue diseñado y construido en el arte barroco, no es posible, ya que están tan conectados al espacio en el que están ubicados en los edificios, los entienden o los aíslan aislados de su destino original, en el que se encuentran; como se pretende, todo el significado trascendente y la presencia tangible, casi viva, como parte del grupo.

Los arreglos y la correlación entre los diferentes elementos plásticos de expresión utilizados en los edificios barrocos; como paisajes fantásticos, responden a un concepto orquestado para representar un grandioso acto escénico teatral, funcionando como una unidad enteramente singular, desprecian sus diferentes elementos mediáticos, sin embargo, con cada uno de ellos están interconectados e incluso apoyados por el otro. Lo mismo se aplica en el arte barroco a la cerámica, el vidrio, los textiles, los trabajos en metal y los muebles, otro ejemplo de la historia del arte Rococó.

Historia del Arte Neoclásico

El estilo artístico conocido como “neoclasicismo” (también llamado “clasicismo”) fue el movimiento predominante en el arte y la arquitectura europeos a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Reflejaba el deseo de reavivar el espíritu y las formas del arte clásico de la antigua Grecia y Roma, cuyos principios de orden y razón estaban totalmente de acuerdo con la Edad de Ilustración europea. (Ver articulo: Correo Electrónico)

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El neoclasicismo fue también, en parte, una reacción contra la ostentación del arte barroco y la frivolidad decadente de la escuela decorativa rococó, defendida por la corte francesa especialmente la amante del Rey Luis XV, Madame de Pompadour y también parcialmente estimulada por el descubrimiento de la Roma ruinas en Herculano y Pompeya (1738-1750)

La Historia del Arte Moderno

El arte moderno representa un conjunto de ideas en evolución entre varios pintores, escultores, escritores e intérpretes que, tanto individual como colectivamente, buscaron nuevos enfoques para la creación artística.

Aunque el arte moderno comenzó, en retrospectiva, alrededor de 1850 con la llegada del realismo, los enfoques y estilos de arte se definieron y redefinieron a lo largo del siglo XX, historia del arte siglo XX.

Se determinó que los practicantes de cada estilo nuevo desarrollen un lenguaje visual original y representativo de los tiempos, de una manera libre, siguiendo la historia del arte vanguardista y hasta posiblemente la historia del arte callejero para demostrar sus cualidades artísticas.

Historia del Arte Griego

Muy poco se sabe de los pintores griegos en la antigüedad, sin embargo, es bien sabido el dominio que pudieron alcanzar y manifestar, como también se conocen los increíbles efectos realistas que producen por las descripciones de algunos escritores romanos, anotaciones sobre los pintores griegos y el mismo algunas pinturas que han sobrevivido. Las copias romanas de las pinturas griegas también aportan información valiosa, ya que aprecian enormemente sus técnicas y estilos, incluso los sobreviven y los reproducen; muchas veces el mismo trabajo en diferentes períodos.

Las pinturas de jarrones de cerámica y pinturas murales descubiertas en tumbas etruscas; que imitaron muy bien el estilo de trabajo y la técnica de los pintores griegos también nos dan una idea de cómo deben haberse realizado.

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Solo podemos ver algunas pinturas originales griegas en la pintura de sus jarrones de cerámica, que aún permanecen en museos y colecciones privadas, cuyas decoraciones siguen las bases características de equilibrio y armonía, lejos de las líneas abruptas, representando cuidadosamente la sinuosidad de la forma de manera sofisticada, como en la forma en que agrupan los personajes, las líneas para acentuar las figuras sobre el fondo y otros detalles.

Pero desafortunadamente la riqueza en la paleta utilizada, los tonos, el matiz y otros aspectos, no pueden apreciarse en su trabajo de cerámica debido a las limitaciones de esta técnica. (Ver articulo: Historia del Teatro en Colombia).

Se conocen los nombres de muchos pintores famosos en la antigüedad y las referencias de muchas de sus obras, pero desafortunadamente, como hemos dicho antes, tampoco han sobrevivido.

La pintura al fresco fue un método ampliamente utilizado para la decoración de las paredes de templos, edificios públicos, casas y tumbas. Sin embargo, debe tenerse en cuenta que este tipo de pintura mural no tenía el mismo nivel de reputación que la pintura de panel. Debido a la naturaleza perecedera de estos paneles junto con siglos de saqueo y vandalismo, no ha sobrevivido ni un solo cuadro de pintura clásica griega de ninguna calidad.

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El mural estaba destinado principalmente a cubrir o disfrazar la imperfección de las paredes; cuya finalización no fue muy suave; debido a los materiales pobres utilizados en su revestimiento. Sin embargo, los temas tratados en este tipo de pintura fueron similares a los utilizados en la pintura de panel. En contraste con otra cultura antigua que también hacía frescos para decorar las superficies desiguales, los griegos no llenaban todos los espacios en ellos; no dejando absolutamente espacio libre como otras culturas generalmente lo hicieron. Los griegos permanecen leales al concepto de equilibrios, equilibrio, orden y proporciones matemáticas en la pintura al fresco también.

Entre los ejemplos de la pintura al fresco griega se encuentran algunas pinturas murales en tumbas etruscas descubiertas como la que se muestra a continuación que corresponde con la Tumba del buceador.

También se pintaron esculturas, la escultura en piedra, terracota y madera fue otra técnica especializada dominada por artistas griegos. Las esculturas de piedra se pintaban típicamente en colores llamativos; principalmente la parte correspondiente a la representación del cabello y la ropa, sin embargo, la parte correspondiente a la piel carece de pintura, se quedaron con el tono natural de la piedra.

Las esculturas fueron pintadas pero no todas sus partes, sino solo algunas; para resaltar algunos elementos, y eso se hizo con gusto y detalle, con sutileza, realzando la belleza y la expresividad de estas esculturas en una forma impresionante. En ocasiones, todas las esculturas estaban pintadas de un solo color, y generalmente eran las relacionadas con el culto religioso.

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Casi todas las formas pictóricas florecieron durante el período clásico del arte griego, la pintura de panel es muy utilizada en la técnica in-cáustica o témpera. Los temas abordaron principalmente escenas figurativas, retratos y bodegones. Representaciones de los pasajes de la mitología también fueron retratados en ellos. Los héroes y las heroínas están representados con los cánones de belleza ideal, proporciones equilibradas y suavidad de las líneas.

Su racionalidad produce calma, equilibrio, están alejados de líneas nerviosas, formas de crack o elementos audaces y desequilibrados, así como movimientos bruscos de las líneas que pueden producir una sensación de inquietud o incertidumbre.

Sus obras de arte; se dirigió principalmente a lograr la apreciación de la belleza por parte de los espectadores y dar alegría a sus espíritus; sin embargo, llegaron a representar; la sinuosidad de los contornos de las figuras humanas y los detalles finos en la representación de la naturaleza; a pesar del idealismo que transmiten como forma de representar las formas en su representación ideal, no porque no se preocupen por la realidad y los desafíos sociales de vivir en una sociedad civilizada, lo hicieron porque en su filosofía de la vida; Para representar un arte que se puede apreciar hasta el punto de elevar la alegría del espíritu, la realidad necesita ser tamizada, filtrada y endulzada, no presentada en fila y tosca como suele percibir la realidad humana.

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Durante el período dorado del imperio macedonio bajo el mandato de Felipe II de Macedonia, padre de Alejandro Magno, la pintura griega tuvo su mayor apogeo con obras de gran calidad.

Hay experimentación pictórica y nuevas técnicas dirigidas a mejorar el uso del sombreado, el color y la luz para resaltar las figuras. Aunque las escenas eran una dulce fantasía idealizada de la imaginación del artista; muestran gran interés representando el detalle de los elementos de plantas y animales en sus pinturas.

Lo mismo se aplica para representar figuras humanas lo más realistas posible; como lo hicieron en otras manifestaciones como la escultura, estudiando las características humanas reales con mucho cuidado obtuvieron el mejor resultado.

Se crearon diferentes escuelas y su ubicación geográfica determina en algunas tendencias artísticas de sus obras de arte. La caricatura y la pintura de género se tratan en este período también con éxito.

Durante el período helenístico comienza alrededor del año 323 aC y coincidiendo con la muerte de Alejandro Magno, el arte griego trasciende las fronteras y los tiempos.

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En su constante viaje para alcanzar la perfección por lo tanto; los pintores griegos introducen en este período para alcanzar una mejor comunicación con los espectadores, ciertos movimientos en las líneas para insinuar la dinámica en las figuras y poner énfasis en las emociones, aunque manteniendo el equilibrio sin rupturas impetuosas en las líneas y formas.

La luz adquiere un protagonismo importante destacando a los personajes principales en las composiciones. (Ver articulo: Historia del Teatro Musical)

El artista logra a través de intentos repetitivos; desde los tiempos del período Clásico, mejores resultados que enriquecen una mejor representación de la ubicación y la proporción de las figuras en sus obras de arte que sugieren una escena tridimensional. Revela una comprensión de la perspectiva lineal, así como una representación naturalista que permanecería insuperable hasta el Alto Renacimiento italiano.

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La influencia del arte griego es bien recibida incluso por los romanos; que aprecian e imitan el arte griego durante mucho tiempo. Las pinturas de artistas bajo el gobierno del Imperio Romano producen muchas imitaciones para decorar palacios, templos y edificios públicos romanos; incluso en sus colonias fuera de Roma.

Historia del Arte Clásico

En las artes el término clasicismo generalmente se refiere a la imitación del arte de la antigüedad clásica (1000 a.C – 450 dC), notablemente la imitación de “arte griego” y “arte romano”, así como prototipos anteriores como “Arte del Egeo” (2500-1100) y “Arte etrusco” (700-100).

Así, por ejemplo, cualquier arquitectura, pintura o escultura producida durante la Edad Media o posterior, que se inspiró en el arte de la Antigua Grecia o la Antigua Roma, es un ejemplo de clasicismo.

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Historia del Arte Prehistórico

El arte rupestre prehistórico no es realmente un movimiento de arte, ya que es un período en el desarrollo artístico de la humanidad. Es anterior a la escritura, al grabado y básicamente abarca la génesis de la escultura y la pintura antiguas.

Tampoco es un tema candente para los historiadores del arte, pero siempre es de interés para los antropólogos históricos.

Muy pocas piezas de arte superan la prueba del tiempo y solo las más duras esculturas y pinturas hechas con mucho pigmento y presumiblemente protegidas de los elementos han logrado durar decenas de miles de años.

Historia del Arte Gótico

Tan pronto como el estilo gótico adquirió algo de popularidad y se construyeron numerosas iglesias, catedrales y monasterios en diferentes capitales europeas, la pintura al fresco tradicional estaba declinando como el medio preferido para decorar las paredes, ya que estas habían estado en ese lugar. Período ampliamente reemplazado por enormes vidrieras multicolores. A través de ellos, la luz procede del exterior y muestra bellas e hipnóticas pinturas realizadas por artesanos vidrieros, cuya maestría durante el período gótico alcanzó notorio esplendor.

De hecho, no es posible hablar sobre el período gótico sin mencionar estas impresionantes pinturas de vidrios de colores, cuyo efecto en los espectadores es de indudable efecto dramático. Entre los más notorios destacan los de la Catedral de Chartres, las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux, la Catedral de León y la Capilla de Santa en París. Sin olvidar la Catedral de Colonia en Alemania y la catedral de Amiens en Francia. Los magníficos ventanales del período de reactivación en Inglaterra son también los más destacados de mención.

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La única excepción al unirse a esta tendencia fue Italia, donde las vidrieras no alcanzaron la importancia que tenían en el resto de Europa durante el gótico temprano y medio. En este país, la pintura al fresco siguió teniendo importancia en la decoración de las catedrales y monasterios, y también fue una estructura de apoyo que contribuyó al desarrollo de la Escuela Sienesa, donde algunos pintores destacaron; entre ellos Giotto.

Pero la pintura tradicional tuvo que reformatear las bases sobre las cuales representarán cuestiones religiosas, mitológicas y de la vida cotidiana, como por ejemplo el retrato de la burguesía. La pintura sobre madera y los manuscritos iluminados se convirtieron en una parte más activa de los medios plásticos en el siglo XIV.

Los manuscritos iluminados en el período gótico continuaron la costumbre de combinar las coloridas pinturas con textos para contribuir a su comprensión e ilustrar mejor las historias narradas. Aunque en la mayoría de esos manuscritos estas pinturas son anónimas, otras tienen una identificación discreta del ilustrador que las hizo.

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Todavía hay muchos manuscritos encargados específicamente por Mecenas y otras personalidades importantes que se conservan en perfectas condiciones que muestran todo el esplendor y detalles exquisitos que desarrollaron los maestros ilustradores. Habían sobrevivido gracias a que se guardaban cuidadosamente en colecciones privadas, lejos de la vista del público o de un manejo inadecuado, esta corriente junto con otras forman parte de la época medieval como lo indica la historia del arte Islámico así como también la historia del arte chino.

Historia del Arte Medieval

El período medieval de la historia del arte se extiende desde la caída del Imperio Romano en el 300 dC hasta el comienzo del Renacimiento en 1400 dC.

En la Edad Media, el arte evoluciona a medida que los humanos continúan abordando lo tradicional y lo nuevo, incluidos los temas bíblicos, el dogma cristiano y la mitología clásica. Este artículo presenta algunos conceptos de tres períodos: cristiano temprano, románico y gótico.

Historia del Arte Grabado

Grabado, técnica de hacer impresiones desde placas de metal en las que se ha grabado un diseño con una herramienta de corte llamada buril. Los ejemplos modernos se hacen casi invariablemente a partir de placas de cobre, y, por lo tanto, el proceso también se llama grabado en placa de cobre. (Ver Historia del Teatro Moderno)

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Otro término para el proceso, grabado de líneas, se deriva del hecho de que esta técnica reproduce solo marcas lineales. Sin embargo, puede sugerirse tono y sombreado haciendo líneas paralelas o sombreado cruzado.

Historia del Arte Abstracto

El término arte abstracto, también llamado arte no objetivo, no figurativo, no representativo, abstracción geométrica, o arte concreto es un término bastante vago para cualquier pintura o escultura que no retrata objetos o escenas reconocibles.

Sin embargo, como veremos, no existe un consenso claro sobre la definición, los tipos o la importancia estética del arte abstracto. Picasso pensó que no existía tal cosa, mientras que algunos críticos de arte consideran que todo arte es abstracto, porque, por ejemplo, ninguna pintura puede aspirar a ser más que un resumen crudo (abstracción) de lo que ve el pintor.

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Incluso los comentaristas de la corriente dominante a veces no están de acuerdo sobre si un lienzo debe ser etiquetado como “expresionista” o “abstracto”

Además, hay una escala móvil de abstracción: de semi-abstracta a totalmente abstracta. Así que, aunque la teoría es relativamente clara: el arte abstracto está separado de la realidad, la tarea práctica de separar lo abstracto de lo no abstracto puede ser mucho más problemática.

Historia del Arte de la Pintura

La historia del Arte en la pintura es una cadena interminable que comenzó con las primeras imágenes que se hicieron. Cada estilo crece a partir de los estilos que lo precedieron. Cada gran artista se suma a los logros de los pintores anteriores e influye en los pintores posteriores.

Podemos disfrutar de una pintura solo por su belleza. Sus líneas, formas, colores y composición (disposición de las partes) pueden apelar a nuestros sentidos y quedarse en nuestra memoria. Pero el disfrute del arte aumenta a medida que aprendemos cuándo, por qué y cómo fue creado.

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Una pintura siempre describe algo. Puede describir la impresión del artista de una escena o persona. También describe los sentimientos del artista sobre el arte de pintar. Supongamos, por ejemplo, que el artista pinta una imagen del nacimiento de Venus, la diosa romana del amor, un tema que se ha utilizado muchas veces.

Es posible que el espectador no aprenda nada nuevo sobre el tema de la versión más reciente que no se pudo haber aprendido del anterior. ¿Por qué, entonces, los pintores se molestan en representar la misma escena otra vez? La respuesta es que quieren decirnos algo nuevo sobre la forma en que se puede pintar la escena.

En cierto modo, el artista está diciendo: He pintado el nacimiento de Venus como ningún otro artista antes que yo lo haya pintado. El artista no solo representa el nacimiento de Venus, sino que también hace una declaración sobre el arte de pintar.

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Muchos factores han influido en la historia de la pintura. La geografía, la religión, las características nacionales, los eventos históricos, el desarrollo de nuevos materiales, todo ayuda a dar forma a la visión del artista. A lo largo de la historia, la pintura ha reflejado el mundo cambiante y nuestras ideas al respecto.

A su vez, los artistas han proporcionado algunos de los mejores registros del desarrollo de la civilización, a veces revelando algo más que la palabra escrita.

Historia del Arte Visual

La historia del arte es un campo interdisciplinario que alienta a los estudiantes a investigar las obras que estudian en relación con la cultura, los idiomas, la literatura, la política y la economía del período en el que se produjeron.

Al igual que en otras disciplinas de Humanidades, los estudiantes desarrollan su capacidad de formular ideas oralmente y por escrito. Más allá de esto, el estudio y la crítica de las imágenes y las formas arquitectónicas alienta a los estudiantes a refinar sus poderes de observación y análisis, exigiendo la traducción cuidadosa de la experiencia visual al lenguaje verbal y escrito.

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Como consecuencia de la formación histórica y crítica involucrada en el estudio de la Historia del Arte, las carreras están bien preparadas para carreras en una amplia gama de profesiones, además de tener excelentes bases para el trabajo en museos, galerías y en las diversas ramas de la Historia del Arte, carrera de historia del arte, con posibilidades de un Doctorado en historia del arte.

Historia del Arte Precolombino

Durante los primeros años de la colonización de las Américas, los europeos fueron confrontados con florecientes civilizaciones que revelaron un nivel muy avanzado de desarrollo cultural. Las impresionantes obras artísticas de estos pueblos nativos abarcaron desde templos monumentales de piedra hasta orfebrería refinada y original.

El continente americano había desarrollado sus propias culturas y poderosos imperios antes de la llegada de los españoles en 1492. Los europeos, representados por las monarquías ricas y dominantes, así como los colonos humildes, destruyeron, desestabilizaron y transformaron a los pueblos de las Américas y sus pueblos. Las culturas tribales nómadas de las grandes llanuras no están tan bien documentadas debido a la naturaleza perecedera de sus bienes.

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Sin embargo, muchas de las culturas materiales de México, Guatemala y los Andes Centrales han sobrevivido, dejando espectaculares ruinas y artefactos. (Ver articulo: Historia del Teatro de Sombras)

Mesoamérica es el término reconocido por geógrafos y arqueólogos para describir el vasto territorio que se extiende desde el centro de México hasta las regiones occidentales de Honduras y El Salvador.

Las civilizaciones altamente desarrolladas de estas áreas comparten un patrimonio común, desarrollado a partir de lo que se considera como la “cultura madre” de las Américas, la civilización olmeca, que existió entre 1700 y 400 a.C. Historia del arte paleolítico.

El desarrollo de la agricultura en Mesoamérica condujo a la formación de comunidades rurales sencillas que, con el tiempo, se volvieron cada vez más complejas. Su desarrollo culminó con la aparición de la llamada “alta cultura” de los olmecas, que ocuparon un territorio a lo largo de la costa del Golfo de México.

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Los artistas y los artesanos encontraron expresión estética en la creación de obras que a menudo servían como ofrendas a sus deidades, proporcionando un medio para aplacar a los dioses y exorcizar las dificultades de la vida cotidiana a través de la adoración.

Historia del Arte Latinoamericano

El estudio de América Latina y el arte latinoamericano es más relevante hoy que nunca. En los Estados Unidos, la creciente población de latinos, personas de ascendencia latinoamericana y, en consecuencia, el aumento de los hablantes de español, los géneros musicales latinos, la literatura y las artes visuales, requieren que comprendamos mejor los orígenes culturales de estas diversas comunidades.

Incluso más allá de nuestras fronteras, los países latinoamericanos continúan ejerciendo influencia sobre las políticas y economías, mientras que sus tradiciones artísticas se hacen cada vez más accesibles en instituciones culturales como los museos de arte, que exhiben regularmente el trabajo de artistas latinoamericanos.

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En muchos sentidos, la cultura latinoamericana y latina es una realidad ineludible, por lo que depende de nosotros, de los beneficios de la apreciación y la integración, abordar la difícil cuestión de qué significa ser de América Latina.

Para muchos de nosotros, América Latina no es un concepto completamente extraño, de hecho, nuestro conocimiento de ello está muy probablemente definido por un país, comida, música o artista en particular, y lamentablemente, a veces también está nublado por los estereotipos culturales. (Ver articulo: Historia del Teatro en Roma)

Lo que muchos de nosotros a menudo pasamos por alto, es la diversidad de lo que significa ser latinoamericano y latino. Curiosamente, América Latina no es tan diferente de los Estados Unidos como tendemos a pensar, ya que ambos compartimos la historia de la conquista y el imperialismo, aunque desde diferentes perspectivas.

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Por lo tanto, el estudio del arte latinoamericano no debe considerarse necesariamente como una narración completamente separada de la de los Estados Unidos, sino como una historia compartida.

Historia del Arte Argentino

El Tango, un intrincado baile interpretado en una canción rítmica y emotiva, nació en Buenos Aires. Aunque ahora se considera una danza sofisticada y elegante, se originó en los barrios marginales en la década de 1880 como una forma para que los pobres representen los conflictos en sus vidas.

En los años 1920 y 1930, el cantante Carlos Gardell hizo famoso al tango en todo el mundo. Los instrumentos utilizados para tocar música de tango son el bandoneón (similar a un acordeón), el violín y la guitarra.

La música tradicional de tango se ha combinado con el jazz moderno para crear el nuevo tango popularizado por músicos como Astor Piazzolla y durante la última década Dino Saluzzi. Este maestro de bandoneón argentino ha grabado 10 álbumes, y cada uno cuenta su propia historia musical infinitamente creativa.

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El espíritu del trabajo de Dino Saluzzi se deriva de la tradición oral de la música argentina y su valor en la melodía y la simplicidad.

Fuera de Buenos Aires, otras danzas son populares, como la majestuosa zamba y el vivo escondido, la danza de los gauchos, interpretada con música que suena como caballos al galope. El patrimonio musical argentino se mantiene vivo en los clubes populares por músicos como Atahualpa Yupanqui, Mercedes Sosa y Ramona Galarza.

La ópera también es popular, y Buenos Aires tiene una hermosa ópera, el Teatro Colón. Las óperas del compositor argentino Alberto Ginastera, Bomarza y ​​Don Rodrigo, han sido interpretadas en todo el mundo.

La escultura y la pintura argentinas fueron influenciadas por los estilos europeos en el siglo XIX, pero los estilos artísticos argentinos distintivos surgieron en el siglo XX. Un grupo popular de jóvenes argentinos que salió de la década de 1970 fue el New Image Painters.

Sus pinturas muestran objetos familiares de la vida cotidiana en contextos inusuales. El espectador debe inventar una historia para dar cuenta de la imagen.

Jorge Luis Borges (1899-1986) escribió historias cortas que mezclan fantasía, mitos y símbolos. Sus libros incluyen Ficciones (Ficciones) y Otras inquisiciones (Otras Inquisiciones). Julio Cortázar (1914-84) fue novelista y cuentista. La película británica Blow Up se basó en uno de sus cuentos, Las babas del diablo (The Devil’s Drool). Ernesto Sábato (1911-2011) fue un novelista y ensayista cuya novela más famosa es Sobre héroes y tumbas. Manuel Puig (1932-90) escribió El beso de la mujer araña, que se hizo famoso como una obra de teatro y una película.

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Historia del Arte Guatemalteco

La primera figura literaria de Guatemala fue el sacerdote y poeta jesuita Rafael Landívar (1731-1793). Nacido en Antigua, su obra más conocida es Rusticatio Mexicano, un poema que describe las costumbres rurales de la época. Landívar se vio obligado a abandonar Guatemala en 1767 cuando su orden fue expulsada de las Américas por la Corona española.

Historia del Arte en Guatemala

Guatemala tiene una rica tradición artística que se extiende hasta los tiempos de los mayas. El arte está vivo y bien en Guatemala hoy en día, como lo demuestran la música, la literatura y las pinturas que se encuentran en todo el país. Ya sea que esté escuchando una banda en la Ciudad de Guatemala o recorriendo un museo en Antigua, seguramente disfrutará de las ofertas artísticas de este país.

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Historia del Arte en Venezuela

Este país tiene una rica cultura y patrimonio artístico que es el resultado del legado de muchas culturas. Debemos hablar sobre la cultura nativa o indígena estadounidense que se expresaba a través de los petroglifos, la artesanía, la arquitectura y la organización social, y luego fue asimilada por los españoles al crear una nueva cultura. La cultura africana también ha contribuido a las artes venezolanas, especialmente cuando hablamos de música.

La arquitectura en Venezuela durante la época colonial no era tan rica como la encontrada en edificios de Colombia, Perú y Ecuador. Gran cantidad de iglesias y casas construidas en Venezuela tenían un estilo español, sin embargo, Venezuela es muy conocida por su modernismo.

La arquitectura moderna tenía dos fases, la primera bajo el gobierno de Guzmán Blanco, en la década de 1870, y la segunda, la más importante, a mediados del siglo XX, cuando gran parte del petróleo recién descubierto se utilizó para modernizar la ciudad de Caracas.

El arte venezolano precolombino estaba conformado básicamente por grabados rupestres y pinturas rupestres. La época colonial se caracterizó por las obras religiosas y esculturas de estilo español, ejemplos notables de este período incluyen la escultura de San Pedro Apóstol hecha por Enrique Antonio Hernández Prieto, y la pintura de Antonio José Landaeta La Inmaculada Concepción.

Los siguientes años después de la independencia, la historia se convirtió en el tema dominante de las obras de arte, un género mejor ilustrado por el trabajo excepcional de Martín Tovar y Tovar.

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El modernismo ha dominado el arte del siglo XX y muchos cambios en su estilo ocurrieron entre 1930 y 1940. El arte cinético ha aparecido en los últimos años, y ha sido representado con mayor éxito por Carlos Cruz Diez y Jesús Soto.

La tradición teatral en Venezuela comenzó a fines del siglo XVIII, y ha ido evolucionando progresivamente desde entonces. El teatro nacional se estableció hace unos treinta años, y hoy tiene su sede en Caracas. Venezuela no se destaca por hacer películas, pocas películas se hacen aquí.

El Folklore venezolano es el resultado de una mezcla que nació gracias a la convergencia de tres grupos étnicos residentes en este país. Significa que es el resultado de los elementos aportados por las culturas indígenas, españolas y africanas.

El folclore venezolano representa una de las herencias culturales más importantes del país, y se ha transmitido de una generación a otra, convirtiéndose en una parte esencial de la identidad nacional.

Las manifestaciones folclóricas más notables en Venezuela son la celebración de fiestas populares, ritos religiosos y diversas representaciones artísticas, como la música llanera, la poesía, la pintura, la escultura, la gastronomía, etc.

Historia del Arte Peruano

El arte Inca fue práctico. Los incas eran un pueblo artístico que usaba los materiales disponibles para ellos en la naturaleza y los mezclaba creando muchas formas artísticas de maneras utilitarias. Gran parte de su expresión artística se usó en la vida cotidiana y tenía un significado religioso.

Debido a que no conocían la ciencia, tenían que atribuir poderes a fenómenos naturales que adoraban recursos naturales como corrientes de agua o rocas, animales y casi cualquier cosa relacionada con la naturaleza y la mejor manera de adorar era incorporar sus mejores creaciones artísticas en sus ofrendas a los dioses.

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Un buen ejemplo de arte en una tradición que ha perdurado el paso de los años es el Inti Raymi o celebración del sol. En esta celebración, los descendientes incas producen los disfraces más elaborados en textiles de algodón y ofrecen regalos al sol, como alimentos y joyas.

El Sol o Inti era el dios más importante en el imperio Inca y dado que el oro brillaba como el sol, era el metal que más se usaba en las ceremonias religiosas. Por lo tanto, hicieron jarrones y platos para servir comida a los dioses, joyas para la nobleza, cuchillos conocidos como Tumis para sacrificar animales y realizar cirugías, decoraron sus templos con láminas de oro e hicieron altares de oro macizo.

Historia  Arte Dominicano

La cultura de República Dominicana es una mezcla diversa de diferentes influencias de todo el mundo. El pueblo dominicano y sus costumbres tienen orígenes que consisten predominantemente en una base cultural europea, con influencias taínas africanas y nativas.

La República Dominicana fue el sitio del primer asentamiento europeo en el hemisferio occidental, concretamente Santo Domingo fundado en 1493. Como resultado de tres siglos de colonización por el imperio español, el núcleo de la cultura dominicana se deriva de la cultura de España.

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Las herencias españolas incluyen el idioma, las tradiciones, el derecho, la religión predominante y los estilos arquitectónicos coloniales. Poco después de la llegada de los europeos, los pueblos africanos fueron importados a la isla para servir como mano de obra esclava. La fusión de tradiciones y costumbres europeas, taínas nativas y africanas contribuyó al desarrollo de la cultura dominicana actual.

Historia del Arte en el Romanticismo

El arte romántico realmente se puso en marcha en el cambio de siglo, y tuvo su mayor número de practicantes durante los siguientes 40 años. Este tiene sus inicios y apogeo de los años de 1800 a 1840.

Sin embargo, como en cualquier otro movimiento, había artistas que eran jóvenes cuando el romanticismo era viejo. Algunos de ellos se quedaron con el movimiento hasta sus respectivos fines, mientras que otros conservaron aspectos del Romanticismo a medida que avanzaban en nuevas direcciones.

Después de ese punto, la pintura romántica definitivamente fue fría como una piedra, aunque el movimiento produjo cambios duraderos en el futuro.

La influencia más directa del romanticismo fue el neoclasicismo, pero hay un giro en esto. El romanticismo fue un tipo de reacción al neoclasicismo, en el sentido de que los artistas románticos encontraron que los elementos racionales, matemáticos y razonados del arte clásico, es decir, el arte de la Antigua Grecia y Roma, a través del Renacimiento eran demasiado restrictivos.

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No es que no le prestaran demasiado cuando se trataba de aspectos como la perspectiva, las proporciones y la simetría. No, los románticos conservaron esas partes. Fue solo que se aventuraron más allá del sentido predominante neoclásico del racionalismo calmado para inyectar una gran cantidad de drama.

Historia del Arte en España

España, debido a su situación geográfica e histórica, ha sido receptora de muchas influencias artísticas diferentes a lo largo de los siglos.

Siete siglos de dominio moro han dejado su huella en el pueblo español. Esto se puede ver claramente en los edificios producidos por algunos de los arquitectos españoles más famosos

Ser parte del continente europeo también significaba que España estaba sujeta a mucha cultura y arte europeos. Por ejemplo, la danza española, el Bolero fue influenciado por muchos especialistas italianos de ballet mientras viajaban por España.

Una gran cantidad de pintores españoles pasaron tiempo en Francia, y especialmente en París, donde la escena artística estaba en auge. París era el lugar a donde ir si querías aprender sobre el arte

España también le debe muchas gracias a los escultores de Italia y su capital, Roma.

Historia del Arte en el Impresionismo

El impresionismo se puede considerar como el primer movimiento claramente moderno en la pintura. Desarrollado en París en la década de 1860, su influencia se extendió por toda Europa y, finalmente, por los Estados Unidos.

Sus creadores fueron artistas que rechazaron las exhibiciones oficiales o salones sancionados por el gobierno y, en consecuencia, fueron rechazados por poderosas instituciones de arte académico.

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Al apartarse del fino acabado y los detalles a los que aspiraban la mayoría de los artistas de su época, los impresionistas intentaron captar el efecto sensorial y momentáneo de una escena: la impresión de los objetos hechos en el ojo en un instante fugaz. Para lograr este efecto, muchos artistas impresionistas se mudaron del estudio a las calles y al campo, pintando al aire libre.

Historia del Arte en el Realismo

Aunque nunca es un grupo coherente, el realismo es reconocido como el primer movimiento moderno en el arte, que rechazó las formas tradicionales de arte, literatura y organización social como anticuadas a raíz de la Ilustración y la Revolución Industrial. Comenzando en Francia en la década de 1840, el realismo revolucionó la pintura, ampliando las concepciones de lo que constituía el arte.

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Trabajando en una era caótica marcada por la revolución y el cambio social generalizado, los pintores realistas reemplazaron las imágenes idealistas y los conceptos literarios del arte tradicional por eventos de la vida real, otorgando a los márgenes de la sociedad un peso similar a las pinturas y alegorías de la gran historia, así como la historia del arte en el cubismo.

Su elección de incorporar la vida cotidiana a sus lienzos fue una manifestación temprana del deseo vanguardista de fusionar el arte y la vida, y su rechazo de las técnicas pictóricas, como la perspectiva, prefiguró las muchas definiciones y redefiniciones del modernismo en el siglo XX.

Historia del Arte bizantino

En el período bizantino, el vidrio ofrece la posibilidad de crear no solo bellos mosaicos de vidrio, sino también de cristalería para ventanas. Esas magníficas pinturas hechas de vidrio de colores se hicieron para llamar la atención del espectador sobre los personajes y las escenas narrativas representadas en ellos. Este logro fue posible principalmente gracias a la luz que viene del exterior.

Fragmentos de vidrieras pintadas encontradas en Constantinopla narran pasajes bíblicos, ilustrando muy bien el arte bizantino del siglo XII.

El vidrio también se usó para hacer frascos de perfumes, para guardar líquidos; lámparas y contenedores para beber. Bizancio produjo algunas copas de colores adornadas con una decoración donde la pintura con esmaltes policromados y oro se utiliza para dibujar follaje decorado con animales o personajes dentro de medallones.

Amuletos de vidrio moldeado, pulseras de hilo de vidrio, perlas en pasta de vidrio, pequeñas joyas y los cameos falsos también formaron parte de las producciones; principalmente en la región mediterránea, aunque es posible que también se hayan realizado en Constantinopla.

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Experimentando con diferentes sustancias, los sopladores de vidrio artesanales obtienen tonos de color interesantes, a menudo producen decoraciones incisas o grabadas que eran simples, geométricas o más elaboradas con motivos figurativos. Se han conservado también trabajos de vidrio decorados con símbolos judíos y cristianos del período paleocristiano o con animales y plantas, estos últimos más a menudo realizados durante el período iconoclasta.

Se han encontrado desde diferentes regiones del Imperio Bizantino algunos contenedores de vidrio y van de verde claro; transparente, así como otros tonos como: marrón, rojo y morado; ya que los mezclan para aplicar en su producción para diferentes usos.

Es importante destacar que los trabajadores del vidrio también usan para reciclar vidrio fechado desde los primeros tiempos; sido principalmente aquellos producidos durante la época del Imperio Romano. Desde el período cristian temprano este proceso de reciclaje les proporciona materiales para producir una amplia gama de nuevos elementos como los que se muestran en las imágenes

El vidrio consistía básicamente de soda, lima y sílice, coloreado con óxidos de hierro, cobre y manganeso. Se añadieron otras sustancias como la cal, fragmentos de cuarzo, virutas de cobre y restos de hierro para obtener las diferentes tonalidades. Frascos y vasos para beber destacados en las producciones corintias de la época bizantina.

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En iglesias y catedrales bizantinas, las patenas, cálices y lámparas del santuario no se diferencian de los otros jarrones por el uso de símbolos cristianos como lo hicieron en la era paleocristiana. La técnica de moldeo por soplado evolucionó a una mejor calidad considerable a través de los tiempos obteniendo más colores ricos, superficies más suaves y formas más elaboradas con el uso práctico del destino se tomó en consideración.

Historia del Arte según Ernst Gombrich

Ernst Gombrich es un profesor y escritor muy famoso, el cual ha escrito mucho sobre el arte y todas las manifestaciones artísticas, recopiladas en una publicaron de la Historia del Arte en todo su contexto, publicación que ha resultado muy exitosa y muy acogida por los lectores y estudiantes de la materia.

Ha sido un gran profesor y maestro en la enseñanza de la historia del arte ya que ha sabido combinar el conocimiento y la sabiduría para comunicar de manera muy sencilla, atendible y amena la lectura de todas las artes a través de la historia.

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